《艺术、历史、视觉、文化》一书收录了国际上重要学者针对该问题撰写的创建性学术文章。《艺术、历史、视觉、文化》各篇论文涉及多种文化、地点和历史时期，从8世纪的中国到当前的南非，从拜占庭到早期现代和现代欧洲，这些学者运用视觉性、视看和凝视理论，探索了超越视觉的艺术史。因此提供的不仅仅是图像的研究，而是将视觉与空间、视觉与身体、视觉与视觉，以及审美与感觉联系起来。 就当前学术界所关注的这些焦点问题，他们进行了精彩、深刻的反思，因此对于任何从事视觉研究的人而言，《艺术、历史、视觉、文化》都是一本必读书。

这是罗杰•弗莱对塞尚艺术的经典研究，初版于1927年，它清晰，敏锐，具有高度的原创性，现在已被公认为这一领域的典范之作。弗莱本人就是一位画家，他拒绝当时流行的批评模式，提出形式而非内容才是艺术最基本的表达元素。塞尚的作品最切合弗莱的理想——对自然的一切方面赋予形式的表达。在此书中，弗莱既努力探究塞尚艺术风格的发展进程，同时也精密细致地推敲个别作品的内在构造机制。其结果是一部文采斐然、生动活泼的书，对画家和学习绘画的学生而言它拥有技法方面的价值，它还为普通读者提供了一种充满真知灼见的洞察，展示了塞尚艺术不可思议的魅力。弗莱的生前至友弗吉妮亚•伍尔芙（Virginia Woolf）认为此书是弗莱最伟大的作品。

《艺术社会学》是对艺术社会学研究的全面概述，同时也是该领域一位最重要的专家撰写的学术专著。《艺术社会学》综合艺术社会学中的多种理论模式，并提供了大量经验性的案例，包括艺术社会学研究中极具启发性的的经典案例。这些关于艺术作品的案例研究来自于文化谱系的两端：美的艺术(戏剧、舞蹈、交响乐、歌剧)和流行艺术(好莱坞电影、流行音乐、低俗小说、电视剧、情景喜剧、广告)。这些研究和《艺术社会学》具有相当广度和深度的理论相结合，揭示了艺术被创造、分配、接受、消费和使用的过程。《艺术社会学》还讨论丁关于艺术作品本身、艺术作品的意义方面新近出现的争议。“从事社会学研究和教学的25年来，这是我记忆中唯——本让我既觉得有趣又收益良多的教科书。亚历山大的(艺术社会学)同时鲜活地展现丁关于文学、音乐、艺术和流行文化的社会学领域最经典和最前沿的研究，学生可以从中感受到研究者用社会学的方式研究艺术时所发现的迷人风景，而专业学者可以从中看到这一领域的研究前沿正在发生什么。”——艺术/文化社会学研究领域重量级学者安·斯威德勒(Ann Swidler)，加州伯克利大学。

《1985年以来的当代艺术理论》主要内容简介：艺术批评与艺术运动总是密不可分，艺术批评的转向在根本上是由艺术运动的发展决定的。以1985年作为一个分水岭，其实也是艺术运动在批评上的反映。20世纪下半叶，也就是第二次世界大战以后，西方艺术的主流经历了三个阶段。第一个是抽象表现主义和极少主义，时间是40年代到60年代。

When the French edition of Confronting Images appeared in 1990, it won immediate acclaim because of its far-reaching arguments about the structure of images and the histories ascribed to them by scholars and critics working in the tradition of Vasari and Panofsky. According to Didi-Huberman, visual representation has an "underside" in which seemingly intelligible forms lose their clarity and defy rational understanding. Art historians, he goes on to contend, have failed to engage this underside, where images harbor limits and contradictions, because their discipline is based upon the assumption that visual representation is made up of legible signs and lends itself to rational scholarly cognition epitomized in the "science of iconology." To escape from this cul-de-sac, Didi-Huberman suggests that art historians look to Freud's concept of the "dreamwork," not for a code of interpretation, but rather to begin to think of representation as a mobile process that often involves substitution and contradiction. Confronting Images also offers brilliant, historically grounded readings of images ranging from the Shroud of Turin to Vermeer's Lacemaker.

亞瑟．丹托（Arthur C. Danto）是當代美國哲學家兼藝評家，現任哥倫比亞大學教授，他是一位強烈主張終結論的後現代主義理論家，其於1984年發表的論文〈藝術終結〉（The End of Art），宣稱藝術歷史告終，或更確切的說，指的是大論述或藝術進化觀的終結。 此爭議性命題一出，自然引發諸多熱烈討論。本書主要架構源自作者於1995年春天，受邀至華盛頓梅倫講座的講稿，除了對先前「藝術終結」的概念作進一步延伸和說明外，作者更以此帶出當代藝術發展的種種現況，剖釋藝術歷史結束和創作之間的互動關係，因此「藝術終結」的概念不可謂不是了解全書的一把鑰匙。 丹托的終結乃是對大論述的批判，企圖回歸藝術本質，從哲學角度審視藝術，或許正如丹托所言，整個當代藝壇的發展或許正是藝術哲學化的結果：傳統論述築起的高牆倒下，現代主義奉為圭臬的純粹性消失，藝術活動不再定繪畫於一尊，連帶地美術館的定位都要重新調整，當代藝術世界所展現出來的是前所未見的多元化，不但是題材多元，使用的媒材也多樣，而且更要和社會脈動或大眾文化結合，反映人類存在的真實面貌。 綜觀全書，讀者不難發現丹托念茲在茲的問題即為「何謂藝術？」，尤其在藝術多元的今日，視覺或感官刺激已經不是判斷藝術的唯一條件，勢必更加依賴「思考」，方可決定何謂藝術何謂非藝術？「兩件外觀完全相同的事物，如何判斷一為藝術品另一為非藝術品」，丹托對藝術展開全面的哲學探索，便是受安迪．沃荷的「布瑞洛盒」（The Brillo Box）所啟發，與此觀點相關的子題是單色畫的實質內涵，丹托亦有相當精闢之探討。 歷史論述既已遭處決，藝術世界獲得前所未有的自由，各國或各地藝術家紛紛起而創作「自己的」藝術，當代藝術家所處的年代究竟是金色年代還是灰色年代？這樣的發展動向是悲劇亦或是喜劇？實在無法一言以蔽之，現在藝術家可以任意佔用現存的各種風格，但僅止於討論的層面，一切創作都要落實在我們自己的時代，方才算數。