美国纽约摄影学院摄影教材·下（最新修订版），ISBN：9787802363595，作者：美国纽约摄影学院 著，中国摄影出版社 译

在讲求效率的时代，视觉超越听觉，图像统治文字，电子媒介的图像实时(现场)传播具有不可比拟的优越性和诱惑力。一切提供观看信息的媒介，如电影、电视、戏剧、摄影、绘画、时装、广告、形象设计、网络视听……都被纳入到“视觉文化”的范畴之中，各种影像都在构筑着视觉文化符号传播系统。“视觉文化”似乎演变成为一个纷繁、杂乱的概念。在本书的序言中，编者罗岗就“视觉文化”的概念进行了规范，将其与通常所说的“视觉艺术”进行了区分，他认为“视觉文化和视觉艺术有一个重要的区别，就是视觉文化使人们观看图像的场所发生了变化。视觉文化把人们的注意力引离结构完善的、正式的观看场所，如影院和艺术画廊，而引向日常生活中视觉经验的中心。”这正如伊雷特·罗戈夫(IritRogoff)指出的：我们留意到的一幅画可能出自于一本书的护封或一则广告中；看电视是家庭生活的一部分而不只是观看者的个人行为；我们可以像在传统的电影院里看电影一样，从录像带、飞机或有线电视上看到电影。正像文化研究已寻求了解人们在大众文化消费中创造意义的诸种方式一样，视觉文化首先研究人们日常生活的视觉经验。在观看过程中，人们也同样能够见到经典，只是图像经典在这时已经被赋予了完全不同的意义。由此，所谓“读图时代”的来临，也就是意味着多样化的视觉研究不仅进入到人们的日常生活中，而且正在改造整体性的社会结构。这需要研究者有新的问题意识和方法意识。“视觉文化研究”正好提供了建立这样一种新的理论领域的契机，《视觉文化读本》则是展现了各种研究的可能性及成果。无疑，不论是本雅明时代所强调的摄影技术，还是当今迅猛发展的网络科技，都是“视觉文化”赖以发展的技术平台。伴随着现代传播科技的发展，影像技术、电子信息技术逐渐兴盛，“虚拟空间”介入现实空间，“视觉文化”对人们的日常生活的影响越来越大。电视直播改变了电影将过去延时记录下来的做法，把远处发生的事情同时地呈现出来，更重要的它还意味着主体将更紧张更有效地去看、听和感知生活世界。整个世界在瞬间被远程地呈现出来，而关于这个世界的幻想也毫无限制地迅速传播开来。书中“看的方法与日常生活”一章，便分析了视觉文化如何进入我们的日常生活，时空在技术作用下似乎被整合在了一起。现代文化日益转向以视觉为中心，视觉文化时代的来临标志着一种文化形态的转变和形成，《视觉文化读本》中的文章便是在对这一趋势做出各自的回应，通过“视觉文化”之眼，来“观视”这个世界，不是把文化单纯看成是现实反映的观念形态的东西，而是看成构成和改变现实的主要方式，在构造物质世界的过程中起着能动的作用。 　　配合着本书的书名与内容，《视觉文化读本》中配有了大量的插图。这些极具视觉震撼性的“视觉作品”，包括广告、摄影、电影、绘画，使得《视觉文化读本》“好看”的书，也使它们具有了被读者直接阐释的可能性。

巴恩博编著的《摄影的艺术》是经典之作《摄影的艺术》的最新修订版（原版于1994年出版），这部著作被认为是最具可读性、最易理解和最全面的摄影教科书。现在，它已经更新了数码摄影的内容。这本书有超过100幅黑白和彩色摄影的插图，还有各种图表，可以帮助初学者、进阶者乃至高级摄影师找到自己的摄影表达方式。Bruce没有故作高深，也没有以高人一等的姿态进行论述，而是以清晰、简明、易懂的方式介绍了数码和传统摄影的创作技术。他还超越了技术层面，深入地讨论了有关摄影的哲学、表达方式以及创意的内容，这往往是其他摄影书避而不谈的内容。 Bruce被公认为是世界上最优秀的风景和建筑摄影师之一，同时又是摄影领域最优秀的导师之一。《摄影的艺术》是其摄影教材的化身，经过35年的发展、演变和提炼，它已成为一本在未来多年内仍将具有持久意义的、价值无可估量的摄影参考书。对于有想法的摄影师，这确实是一部不可多得的好书。

《拍摄者:用高清摄像机讲故事(第2版)》内容简介：厌倦了干巴巴的、没有艺术性的拍摄入门指南吗？《拍摄者:用高清摄像机讲故事(第2版)》将摄像机视为一个强大的讲故事的工具，它会使你的专业技能提升到一个新的水平。你会学习到高清格式的基础知识、压缩和彩色空间的基本原理，以及更为基础的知识如：摄像机的放置和视角、镜头焦距的选择及三角形构图的强大威力，所有这些能够为提升你的拍摄技巧服务。看完这本《拍摄者:用高清摄像机讲故事(第2版)》，你将会理解拍摄者的指导原则：故事是一个载体，各种创意和技术决策在其中流淌。 有抱负的拍摄者和电影学院的学生们需要寻找各种渠道来获得培训和指导，在《拍摄者:用高清摄像机讲故事(第2版)》中，一位经验丰富的老师为你提供了充满见地和灵感的课程，你可以将《拍摄者:用高清摄像机讲故事(第2版)》作为纸质导师。《拍摄者:用高清摄像机讲故事(第2版)》主要特点如下： * 全书以数百张全彩色照片和插图来阐明内容。 * 敬业而又经验丰富的拍摄者巴里•布雷弗曼（Barry Braverman）分享了用高清摄像机来构建引人入胜的视频故事的技巧和激情。 * 开启了视频拍摄者探索世界之窗，讲解了视角的使用及镜头的选择，介绍了特写镜头的运用、景深的控制及电影镜头和适配器的推荐使用方法。 * 通过合适的摄像机设置来微调高清图像，使用辅助玻璃滤镜和软件滤镜来控制噪声、对比度及细节水平值。 * 相关网站提供了关于为DVD、蓝光及网络进行拍摄的额外章节，另外还有相关指导、附加的插图、设备评价、小窍门、读者的帮助电话及作者的博客。

［照片是光與時間的化石…］ 一本教你如何看的攝影書 街拍大師森山大道的攝影學校開講 ※本書是對森山攝影作品的入門、甚至是對所有攝影的入門者，最佳的一本「如何看」的攝影專書。 ※只要是對攝影有興趣的人，這本書都能引起你的強烈欲望！ ※森山大道首度以全書對話的型式，於攝影學校授課的內容輯錄。 「每次快門的聲音，就跟我心臟的跳動一樣；每次拍下來的畫面，就跟我走路的步伐一樣。」 －－森山大道 喜歡可疑、猥褻、複雜、哀愁、惡德渾然天生的地方，巨大欲望的人生攝影棚。將自身比擬為街頭的探測器，朝著感應到的方向前去，一邊按壓快門、一邊讀取街道的訊息，慢慢地進入街道深處。像是進行一場刺激又愉快的遊戲。 以黑白底片捕捉街道上、人群間生動細膩影像聞名的街拍大師森山大道，多次於攝影學校開課講授。從暗房技巧、底片及相紙的選擇、相機及鏡頭的掌握、快門及光圈的運用、黑白攝影及彩色攝影的表現……等這些攝影技術的討論，一直到攝影手法及拍攝風格、如何看待日益普及的數位相機甚至照相手機、如何成為一位攝影師、攝影的魅力何在、攝影是否有準則等攝影本質的探討，《晝的學校 夜的學校》由媒體專欄作家及藝術評論人赤阪英人策劃編輯，將這些森山與年輕學生之間的對話輯錄成書。 有些學生提出關於攝影基礎的疑問，而森山則根據經驗，經過深思熟慮做出回答；其中也有攝影尖銳直接卻擊中本質的提問，以及森山站在現實面，頗具哲學思考的回答。回答的根本，展現了以不確定的「世界」為對象，總是採取格鬥姿態的這位前衛攝影家「森山式」的思考。 透過本書，彷彿看到森山大道不斷拿著相機到處移動、拍攝的影像。為了提出「無法明白出示的東西」，森山大道持續不斷地攝影，而本書正是他以言語揭示的「街拍」集。 取景構圖 －－當面對拍攝對象時，腦中是否已先設定好影像？還是是用完全不同的方式接近拍攝對象？ 拍攝街上擦身而過的人們，有時是依據直覺、沒有透過觀景窗觀看，直接就按下快門。這些時候我大多依據皮膚反應來拍攝，就算事先想好畫面也沒有意義。但是通常這樣子拍攝出來的畫面，跟我直接感受到的影像很像。不過當我在拍某個東西或是街景特寫時，當然還是會透過觀景窗拍攝。這種時候，當然就很容易想見沖洗出來的照片會是如何。 －－按下快門瞬間？ 我平常使用的相機是RICOH GR21的廣角傻瓜相機。有時候我的直覺會感受到很多像是動物性的某種東西。就算沒有事先設想或是不曾預期的事，就在一瞬間突然感應到。這時我就會將相機朝向哪邊，不透過觀景窗拍攝。因為GR21是相當廣角的鏡頭，所以幾乎可以拍到所有東西。相對於必然，我反而期待一瞬間感應到的偶然。飄散在街頭的必然與偶然，射進我心中的某個必然與偶然。當然有時我也會透過觀景窗等待拍攝時刻到來，像是不會動的東西、海報、招牌，或是路旁的東西，我就會仔細觀察之後才進行拍攝。而當我感受到某些東西時，就會直接反應、不透過觀景窗拍攝。當我在街拍時，這兩種攝影方式是混在一起的。 －－我用的是6×6的相機，在視框中先決定好各種要素再拍攝。 單純來說，就是採用看著觀景窗裡的景色，再決定構圖的方式吧。若以結論來說，就是人各有不同呢。比方說攝影適合攻擊性強的人，也適合內向的人。所以會有像你這種想將世界緊緊鎖在框架中的人，也有像我這種跑出框架外面的人。這不是誰對誰錯的問題，只是因為性格、體質不同，因而選擇方法也有所不同。所以你想要在6×6相機的視界裡，以自己的世界來創造構圖，想要拍攝冷靜、靜止的感覺本身一點錯都沒有。 但是因為是6×6相機，一定得看觀景窗再決定，如此一來，意識就會先出現，很難抓取一瞬間發生的事。所以必須看清楚觀景窗裡的各個角落，然後再決定構圖。當自己這麼想時，就等於思想犯一樣，就算想要不看觀景窗拍攝也沒辦法了。不管是哪種方式，只要能夠將訊息傳達給觀者就好了。 器材 －－在拍攝夜晚的風景時，若使用閃光燈會改變影像嗎？ 我使用的是傻瓜相機上面的閃光燈，光量還不足以會改變風景吧。只是當作補助使用，像是在拍夜晚的海報時，稍微接近一點時會使用。基本上，我不太喜歡使用閃光燈。只是像是招牌或是貓，突然出現在眼前時，我會先關閉閃光燈拍一張，之後再打開閃光燈拍一張。就只是這樣而已。傻瓜相機閃光燈的亮度雖然只能照亮數公尺以內，但是對於稍微遠一點的地方，微妙地還蠻有效的，採用TRI-X的底片，就可以明白微妙之處，所以蠻有趣的，而且又具有效果。 －－拍立得相機？ 不管是玩具相機，還是拍立得相機，照片最基本、有趣的地方還是相通的。就像是每次影像顯現後，都會感到驚訝。也像是在玩玩具，拍到了、拍到了大喊出來的感覺。這種覺得有趣的心情，因為與日常採用底片拍攝沖洗出來，再看著印樣印到相紙上的經過不同，所以會覺得新鮮。我平常雖然不拍彩色照片，但是使用拍立得相機時，會覺得彩色照非常有趣，因為會出現不可思議的顏色，而玩具相機有時會出現無法預測、奇妙的灰霧（底片曝光部分發黑），這件事就很有趣。 光圈／快門 －－在「森山大道 in Paris」中，拍時裝模特兒時也一樣用傻瓜相機拍攝，這種時候會不會改變光圈大小或快門速度等，以追求不同的效果？ 不能說完全沒有，但是我不會去改變曝光值。我現在使用的GR21和GR10，因為是傻瓜相機，就算改變曝光值，也只能上下補正各兩個階段。只是依據工作內容，極少數會改變曝光值。剛剛看到的時尚攝影風，是在巴黎拍攝的，當時是採用Scala的黑白正片拍攝，從一開始拍攝時，我就決定不改變曝光值。因為是21mm的鏡頭，周圍的光線，多多少少都會有點暗，而我知道就算是正常拍攝都會有點偏暗，所以沒有必要特地調暗或調亮，至少使用這種底片時不需要。 我反倒比較在意遇到逆光時，依據底片的特性應該如何對應，還有該如何產生對比等方面。總之，與平常拍攝的街頭攝影不同，而且又是拍攝平常很少拍的模特兒，再加上背景又是在國外，我比較在意的是不能放過模特兒一瞬間的表情。所以在接到雜誌、彩色攝影的工作時，我就會依照正常模式拍攝，然後再放大、縮小二個光圈值來調整。像這種時候，我都會採用正片拍攝，所以多少都會出現一點陰影，也無法透過機器修正，所以都是在暗房沖洗時調整調性。但是在街拍時，基本上我不會這麼做。反倒是比較在意快門速度，有時還會轉到Ｆ值（光圈值）拍攝。 色彩 －－在森山老師的照片中，灰色的部分非常漂亮，該以嘈雜來形容嗎？我總是在想到底該如何做，才會出現那些灰色呢？我很在意那些灰色，那到底是什麼呢？ 荒木先生也說過同樣的話呢。請看森山先生照片中灰色區域之類的話。荒木先生在我的照片中感受到灰色區域，但是對我個人來說，我對於照片中出現的灰色區域，並沒有特別的堅持，因此也不會特別在意。但是我想或許潛伏在我身體某處的東西，已經形成了我個人的體質也說不定。所以就算在別人眼中，看起來是獨特的灰色層次或是調性，我卻無法加以說明。我只能這麼說，緣因於各式各樣的理由，最後形成這樣的結果。 －－黑白照片與彩色照片的差異？ 基本上我喜歡黑白。若是用現代的說法來形容，就是有點時代錯誤的感覺。當然我也曾經拍過彩色照片，還有像是拍立得也很有趣。雖然我說我喜歡黑白，但並不表示我認為彩色照片就是不好。只是就我個人獨斷的想法，還是認為照片就應該是黑白。前陣子因為雜誌的工作，拍攝一位女演員，偶而拍彩色照片我也覺得蠻有趣的。因為平常很少拍彩色照片，所以覺得很新鮮，稍微改變一點曝光，整個影像就有很多種變化。以我的情況來說，就算是拍彩色照片，也不會採用數位相機拍攝，拍完之後，感到很不安，不知道是不是真的有拍到，相反地也感到很興奮，覺得蠻刺激的。 還有另一個原因。從小時候開始，我看過的所有攝影，其中讓我非常感動、或是受到衝擊的，沒有一張是彩色照片。不管是威廉．克萊茵的《紐約》（New York）、東松照明的《長崎》（Nagasaki），還是尤金．阿杰（Eugene Atget）拍攝世紀末的巴黎，全部都是黑白攝影。但也不光只是因為這樣，我認為黑白攝影能夠帶來衝擊，黑白的魅力與顏色深深地附著在我的細胞與視線。就是這種感覺。 基本上拍攝彩色照片時，我希望盡量拍得明亮、有趣，以遊玩的心情拍攝。我只是認為難得有機會拍彩色照片，所以希望能夠拍街上我喜歡的顏色。所以我會拍聲色場所的招牌或看板、愛情賓館的霓虹燈或入口、化著濃妝的小姐或禮服，結果還是會被可疑、印象深刻的顏色所吸引。因為我很了解我自己所以我知道，我特別喜歡黃色系、粉紅系及紫色系。雖然我想用遊玩的心情拍攝，但是有時會突然拍到奇怪的影像，不知不覺地陷入其中。因為有些是黑白照片無法拍到的影像，所以覺得很高興。總之，我不希望因為拍攝彩色照片而感到疲累，因為平常拍攝黑白照片時感到很疲累。 攝影論 －－挑選照片的基準？ 拍照的瞬間，映在網膜上、影像的記憶，這個殘像在沖洗底片的時候會立刻回來。在那個時候我會再次確認，啊，這就是當時我想拍的照片。我經常會有這樣的感覺，想把影像印到相紙上看看。 在沖洗照片時，會將拍攝的時間與場所當作另一件事，就像是初次看到這張底片，以當時那個時點的直覺與判斷來選擇。在移動底片時，「啊，這個」以這種感覺來選擇。也就是以當時自己的直覺來選擇。總之，攝影時是第一個現場，沖洗照片時則是第二個現場，以不同的觀點與心情來選擇。 －－對以「城市」為主要拍攝場所的森山老師來說，所謂的「城市」究竟是什麼呢？ 城市是由街頭上的大馬路、街角、小巷子，與街頭外所有相關的東西所構成。那些東西渾然一體，變成超大型攝影棚，雖然那些東西的綜合體稱之為「城市」，但對我來說，我喜歡它們勝過任何其他的東西，那裡就是我自己的欲望，以及欲望與那些事物交錯產生的鮮明世界。城市就是欲望體。 不管是新宿、澀谷、大阪，還是紐約、上海，像這樣渾然天成的渾沌，就像是熱呼呼的大腸火鍋一樣，強烈飄散著人的氣味。 －－攝影是否暴露了自己的內心？ 攝影不僅展現世界，也暴露自己。不管以什麼被攝體做為對象，都可看透那個人。此外，也無法不暴露自己。 若是將照片視為創作，被攝體的裡面就會隱藏著創作者。透過作品不僅能夠看到創作者的膽識，也能夠看見創作者得意的面孔。若以我來說的話，性格上比較無防備，而且又是那種緊踩油門一直往前衝的人，所以更容易暴露自己內心。但是不這麼做的話，拍照也會變得很無趣。因為照片就是一個訴訟的媒介，若想要透過笨拙的概念來矇混過去，這可不行啊。所以我不喜歡那些透過照片矇混，或是透過照片搞神祕的人。荒木先生常說我是會隱藏的男人，他說森山先生不管什麼事都會藏起來，可沒這回事啊。的確照片的本質具有匿名性，但還是會顯露出創作者的體質與癖好。嗯，因為我個性如此，更容易暴露內心呢。 －－是否有意識的攝影？拍攝主題設定？ 只要設定主題，就會被主題綑綁。我認為街道是將所有要素混合在一起、無數的主題樂園，不需要刻意設定主題。要是事先訂了主題，照片的可能性就變得稀薄了。而且我也不相信那些照片的有效性。 我常說按下快門時是非常生理、很動物性的拍攝方式。雖然用文字說明就是像這樣的感覺，但是實際上，想要在無意識下拍攝是不可能的事情。想要按下快門，在那個瞬間，必定會介入各式各樣的要素及意識。雖然拍攝的動作是很肉體的反應，但是瞬間與瞬間的反應之間，與個人的記憶、認識，以及生活的型態有關。儘管是動物性的反應，意識也早已介入於其中。 我不會去想照片有什麼意義。所以不管是意識也好，還是意義也好，對我來說，照片的重要性在別的地方。 －－森山老師至今拍攝過很多地方，我認為第一次去的地方與習慣去的地方，在拍攝方法上會有所不同，您有沒有屬於自己的攝影法則？ 總之，關於法則的話我沒有，但是第一次去的地方，或是沒去過的街道，很有趣呢。因為在那條街上，我變成了探測器。不管是坐火車去，還是開車去，我都會先到車站，從車站望向眼前綿延至遠處的街道，從這角落望向另一個角落，然後再透過以往的經驗，依循自己的預感再來判斷，之後再朝向自己感應到的方向前去。一邊按壓快門、一邊讀取街道的訊息，慢慢地進入街道深處。很像是刺激又愉快的遊戲。嗯，就結果來說，不僅可以拍到有趣的照片，又可以到不熟悉的街道。 就算我常會到新宿，但是就晃蕩的方式來說，沒有太大差別。我一直會去同樣的地方，拍攝相似的東西。誇張一點形容，就像「萬物流轉不息」這句話一樣，就算同樣是拍新宿，但是人會變，時間、天氣、季節也會變，每一個時刻都在改變，再加上當天自己的心情也有所不同，所以日日夜夜都在改變。 就像我常說的，基本上我很喜歡這些可疑的地方。就算讓我去那些整理、整頓得很好的地方，我也不知該如何是好，也不想拿出相機拍照。 －－藉由累積拍攝的量，能夠突破什麼嗎？ 總之要知道自己想要突破什麼、或是該突破什麼之前，只能多拍一些、累積照片的數量。藉此，如果發現了該突破的方向，之後為了突破，更應該使用更多的底片、拍攝更多的照片。雖然比喻得不是很好，但是街拍的狀況正是如此，這件事沒什麼好丟臉的，反倒是我的驕傲。 有一句名言說道：「持續就是力量。」當然說得沒錯，此外數量也能夠成為最大的力量。與其拘限在膚淺的美學與觀念上，還不如用數量來決勝負。像我去攝影學校時，有時會問學生一個月拍多少卷底片，還有聽到「二十卷」的回答，聽到這種回答，真的是讓人很頹喪，很想馬上就叫他放棄攝影呢。