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Art in China (Oxford History of Art)
China can boast a history of art lasting 5,000 years and embracing a huge diversity of images and objects - jade tablets, painted silk handscrolls and fans, ink and lacquer painting, porcelain-ware, sculptures, and calligraphy. They range in scale from the vast `terracotta army' with its 7,000 or so life-size figures, to the exquisitely delicate writing of fourth-century masters such as Wang Xizhin and his teacher, `Lady Wei'. But this rich tradition has not, until now, been fully appreciated in the West where scholars have focused their attention on sculpture, downplaying art more highly prized by the Chinese themselves such as calligraphy. Art in China marks a breakthrough in the study of the subject. Drawing on recent innovative scholarship and on newly-accessible studies in China itself Craig Clunas surveys the full spectrum of the visual arts in China. He ranges from the Neolithic period to the art scene of the 1980s and 1990s, examining art in a variety of contexts as it has been designed for tombs, commissioned by rulers, displayed in temples, created for the men and women of the educated ilite, and bought and sold in the marketplace. Many of the objects illustrated in this book have previously been known only to a few specialists, and will be totally new to a general audience. -
风格与观念
《风格与观念:高居翰中国绘画史文集》共分为二大部分,内容包括:中国绘画史三题、中国画中的政治主题、中国山水画的意义和功能、中国绘画的率意与天然:一种理想的兴衰等。由于20世纪以来中国绘画史研究的跨文化特点,高先生和各国的学者一道,不但挑战并丰富了中国绘画史学的古老传统,而且回应并促成了西方美术史学的新方法,在拓宽艺术史研究的范式方面,呈现给我们一个宏大的学术景观。 -
《洛神赋图》与中国古代故事画
《洛神赋图与中国古代故事画(精)》为陈葆真博士集十年之功的力作,内容结合了结构分析、图像比较,以及相关的文献资料,分别为存世的九巻《洛神赋图》断代,并建构它们之间的风格系谱;同时,也通过对这些《洛神赋图》的研究,探讨了故事画中一些普遍性的议题,包括:叙事技法、构图方式、时间与空间的表现,以及图文转译和互动等问题;并且通过对这些问题的处理,观察汉代以来中国故事画发展的情形。 《洛神赋图与中国古代故事画(精)》可谓是到目前为止,对《洛神赋图》和中国古代故事画的各种问题,最完整、最细致和最具创见的论著。 -
翰墨荟萃
本书不是美术史(有一些是非美术史领域的学者)。 本书不是论文集(本展览的论文集还在编辑中)。 本书是对“翰墨荟萃”展的导览读物。2012年11月2日至2013年1月3日,美国藏中国五代宋元书画珍品展在上海博物馆开幕,百年前或几十年前流入美国的《溪岸图》《捣练图》《晴峦萧寺图》等巨制将回到中国与观众见面。绘画历来是博物馆最吸引人的藏品之一,本书邀请单国霖、余辉、高居翰、方闻、谢柏轲、姜斐德等国内外美术史学者,以及张鸣、白化文、扬之水、杭侃等人文学者,介绍了画展陈列的唐宋元名画,有的从画作本身的构图、用笔、风格等方面介绍其艺术成就,有的从表现对象的时代特征上考订画作的创作年代,有的从与同时代同题材作品的对比中把握其笔墨特征、意境及创作个性,有的通过款识探究其流传过程,还有的展现了广阔的宋元社会生活面貌,将这些名画的魅力充分地展现给读者。 -
美的沉思
在中国近一百年混乱而彷徨的历史处境里,要留下心来,思考有关那古老中国曾信守过的,坚持过的生命的理想,美的规则,有时,连自己也要不禁怀疑起来罢。然而,那些玉石、陶器、青铜、竹筒、帛画、石雕、敦煌、山水……犹历历在目,它们何尝不是通过了烽火战乱的年代从那最暗郁的历史底层,努力地仰望着,仰望着那永恒不息的光华。 这些莹润斑剥的玉石,这些满是锈绿的青铜器,这些天矫蜿蜒的书法,这些缥缈空灵的山水画,逐渐使我开始思考起它们形式的意义。仿佛历史的渣滓去尽,从那纷华浮嚣中升举起来,这“美”才是历史真正的核心。这“美”被一层层包裹着,伪装着,要经过一次一次时间的回流,才逐渐透露出它们真正的历史的意义。“美”比“历史”更真实。 -
重屏
画家挥洒翰墨,手卷随手慢慢展开;雅集的士人聚在园林,正赏玩着竹杖挑起的一幅立轴;帝王在画屏前驻足,随后在屏背题诗一首。对于理解中国绘画来说,这些具体的绘画形式与特定的观赏场合显然十分重要。然而在大多数对这一重要艺术传统的介绍中,这一切还是被忽视了。一幅中国画往往只剩下画心的图像,绘画的物质性消失了,绘画与社会生活、文化习俗的紧密联系因而也变得隐晦不明。 本书首次尝试把中国绘画既视为物质产品也看作图画再现,正是这两方面的交互合作与相互制约使得一张画生意盎然。这种新的研究方式打破了图像、实物和原境之间的界限,把美术史与物质文化研究联系起来。屏风可以是一件实物,一种艺术媒材,一个绘画母题,也可以是三者兼而有之,巫鸿对此进行了详尽的综合分析。通过多样的角色,屏风不仅给予中国画家无穷的契机来重新创造他们的艺术,同时也让本书作者有机会处理宽广的主题,包括肖像与图画叙事、语词与图像、感知与想象、山水画、性别、窥探欲、伪装、元绘画以及政治修辞等等。